Marcel Hörler

Oh look, a balloon!, kurz Olab ist ein forlaufendes, soziales Kunstprojekt. Der Ballon ist das verbindende Element, das Orte, Menschen und ihre Perspektiven zusammenbringt. Olab entsteht durch Austausch im analogen Raum. Mit Wasser, Kleister, Seidenpapier und Gesprächen erhält der Ballon Schicht für Schicht eine neue Hülle. Nach dem Trocknen ernten die Ballonbauer*innen, auch Ballonfarmers genannt, die kugelförmigen Objekte. Schlussendlich steigt der Ballon nicht in den Himmel und ist trotzdem mehr als heisse Luft. Olab ist im Rahmen von Reconnect, dem Aufenthaltsstipendium der Kulturförderung des Kanton Basel-Landschaft, vom 3.–19. Juli 2026 auf dem Landgut Castelen entstanden. Neben der Villa und dem Staatsarchiv Basel-Stadt war der Campingplatz Kaiseraugst (im Dialekt «Gülle») ein zentraler Austragungsort der Recherche von Michèle Degen und Marcel Hörler.

Enter The Crack war eine künstlerische Recherche mit biografischen, politischen und inszenierten Bezügen, die von November 2023 bis Februar 2026 im Appenzellerland, in Berlin, Lichtensteig und Zürich realisiert wurde. Kern des Projekts war es, sich einen Ort anzueignen, der zugleich nah und fern erscheint, um dominante Verhältnisse zu irritieren und einen Moment des Widerstands zu schaffen. Die Inspiration für das Projekt kam von einem «Unbehagen, zwei verschiedenen Welten anzugehören, die schier unvereinbar weit auseinanderliegen und doch in allem, was man ist, koexistieren», von dem der Soziologe und Philosoph Didier Eribon in Rückkehr nach Reims spricht. Am Projekt beteiligten sich Lena Aurea Schneider, Sasha Kulak, Caroline Hepting, Ian Purnell, Olivier Zurkirchen alias Olan!, Luc Häfliger, Nagi Gianni, Roman Gysin, Laura Oertle, Marisa Sturzenegger-Mayer (oema), Susan Steiger, Nika Timashkova, Saturne Camus-Govoroff, Bast Hippocrate, Christian Knöpfel, Noa Zoller, Lora Drage, Wassili Widmer, Laura Leupi, Marion Lim, Mischa Badasyan, Nassim Rousset, Valérie Reding, Erika Leadbeater, Dylan Spencer-Davidson, Hagen Verleger, Anton Zimmermann, Vasilisa Inshutina (CVET), Seth Weber, Olya Korsun und Leon Schwitter. Enter The Crack entwickelte sich in der Bibliothek Andreas Züst, am ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, im Rahmen des AiR-Stipendiums der Ausserrhodische Kulturstiftung, involvierte die Kantonsbibliothek Appenzell Ausserrhoden und mündete schliesslich im Kurzfilm  Die Haube. 

Wie fühlte sich damals die Zeit an? Dauerte früher eine Sekunde länger als heute? Wem lauschen wir, um zu verstehen, was geschah? Und wie können wir uns in eine Zeit hineinversetzen, wenn die Zeitzeug*innen bereits verstummt sind? Frida Edelmann-Knöpfel, die von 1864-1921 in Lichtensteig lebte, war eine neugierige und aufmerksame Beobachterin ihrer Zeit. Dem Entrinnen der Zeit entgegenwirkend, schrieb Frida ihre Alltagserfahrungen in Mundart nieder und gab dadurch der Nachwelt die Möglichkeit, in ihre Gedankenwelt vorzudringen. Sie schrieb über die Mühen ihrer Mutter, die Beziehung zu ihrem Ehemann, ihre Kinder, über das Leben im Städtchen und gehörte damit zu den wenigen Frauen ihrer Zeit, deren Schriften überliefert wurden. Als Hommage an Frida, haben die Künstler*innen Karin Karinna Bühler, Martina Morger, Reto Müller, Lika Nüssli und Thomas Stüssi, neue Werke geschaffen, die von Fridas Erinnerungen inspiriert sind. Die Ausstellung wurde am 7. Juli 2023 eröffnet und die Werke sind Teil des Kunstspaziergangs in  Lichtensteig. Frida wurde von Marcel Hörler mit der Unterstützung von Maura Kressig und Jost Kirchgraber kuratiert.

Wie können wir Lust materialisieren? Inwiefern können wir unsere Wünsche und Bedürfnisse innerhalb von Machtstrukturen erkennen und zum Ausdruck bringen? Wie können wir eine Praxis der Fürsorge kultivieren, während die Gesellschaft unter hetero-patriarchalen Mechanismen leidet? Die Ausstellung Powerplay, Pleasure and Gain präsentierte einen Mix aus Beiträgen von Giulia Essyad, Inés Maestre, Lucio Davoli, Marisabel Arias, Metehan Törer, Robin Mettler, Sarah Burger und Sicc Puppy. Die Ausstellung nahm das zehnjährige Jubiläum der Porny Days zum Anlass, um über das Potential der Kollektivität nachzudenken, das in unseren Körpern steckt. Neben den ausgestellten Werken wurde das Publikum dazu eingeladen, während der performativen Eröffnung selbst Teil der Ausstellung zu werden. Powerplay, Pleasure and Gain fand vom 25. bis 27. November 2022 in der Südbühne der Gessnerallee in Zürich statt und wurde von Marcel Hörler mit der Unterstützung von Lena Aurea Schneider kuratiert.

Vergnügen - das Teilen von Freude - berührt und verbindet Menschen. Obwohl bestimmte Praktiken, insbesondere solche, die nicht-normativen, queeren, nicht-monogamen und nicht-binären Lebensweisen entsprechen, von den Institutionen der Macht schon immer marginalisiert, kriminalisiert oder zumindest ignoriert wurden. Dennoch haben die Figuren der Nacht die Grenzen des gesellschaftlichen Anstands überschritten. Was bleibt, sind Fragen: Wo und wie sprechen wir über Vergnügen? Welche Räume werden beansprucht und von wem? Sind sichere Räume nur Träume einer verborgenen Utopie? Inwieweit bestimmen Institutionen, was sexuell erlaubt/nicht erlaubt ist? Und was hat das alles mit Care-Arbeit zu tun? Auf der Suche nach Antworten präsentierte Ufficio della Notte Arbeiten von Berlin Strippers Collective, Gilles Smrkovsky, Philipp Gufler, Benjamin Egger, Oz Oderbolz, Latefa Wiersch, Florian Hetz, Dario Callerame, Jeanne Jacob, Alina Kopytsa, SLOCH, Göksu Kunak und DIVAS, die in sechs verschiedenen Kunsträumen und Clubs sowie im öffentlichen Raum (Last Tango, Parat, Limmatplatz, Unterführung Langstrasse, Die Diele, Baby Angel, BosqueRreal, Rote Fabrik) gezeigt wurden. Die von neo seefried und Marcel Hörler kuratierte Ausstellung fand vom 23. September bis 15. Oktober 2022 in Zürich statt und wurde mit Spaziergängen, einer Pleasure positive Party und einem Podiumsgespräch zum Thema Sexwork kombiniert.

Wir können nie wissen, was wir vorfinden werden – wenn wir ein Loch graben... Die Erde ist ein Filter, ein Archiv, bietet Lebensgrundlagen und ist ein Schauplatz für speziesübergreifenden Austausch. Interdependenzen, also gegenseitige Abhängigkeiten, sind der Erde immanent. So widmete sich Performing Soil jenen Spannungsmomenten zwischen Menschen und Erde, die sich abseits von gängigen Wissenschaftsmethoden ergeben. Denn diese gehen davon aus, dass Projekte skaliert werden können, sprich im Kleinen genauso wie im Grossen funktionieren können aber ausser Acht lassen, dass sich die Akteur*innen durch Begegnungen verändern können. Die Idee zu Performing Soil stammt von den Künstler*innen Silke kleine Kalvelage, Jan Georg Glöckner und dem Kurator/Kulturvermittler Marcel Hörler. Über einen Zeitraum von drei Monaten, umgeben von einem Naturschutzgebiet, haben sie in Zusammenarbeit mit den Tänzer*innen, Künstler*innen, Handwerker*innen und Wissenschaftler*innen Lisa Lee Benjamin, Marisa Mayer, Xaver Ammann, Kay Zhang, Brigham Baker, New Kyd, Reut Nahum und Rosa Violetta Zettl eine massive Erdkugel geformt. Die Erdkugel wurde im Rahmen der gleichnamigen Ausstellung im Kunstraum Parat versteigert und zusammen mit drei Radiosendungen, der Fotodokumentation und weiteren kleinformatigen Erdexponaten vom 9. bis 18. Dezember 2021 der Öffentlichkeit präsentiert.

Die Ausstellung Passagen widmete sich vom 10. September bis 2. Oktober 2021 in der Kirche St. Jakob in Zürich den Übergängen als beständige Begleiterinnen der Menschen. Im Zentrum der Ausstellung stand die Frage, wie Übergänge bewältigt werden. Dafür wurden die Mittel der Fotografie, des Geschichtenerzählens und des Anordnens persönlicher Dinge genutzt. Der Sakralbau diente der Ausstellung als Ausstellungs- und Reflexionsraum, als Klangkörper und als Ort der kritischen Befragung. Die Grundlage für Passagen bildeten mehrere Treffen der acht Protagonist*innen Beat Schwab, Chaowei Arakawa, Emanuel Hohl, Edwin Arsenio Ramirez Garcia, Heidi Stamm, Maria Hardt, Noah Di Bettschen und Yeter Tayet, sowie individuelle Tonaufzeichnungen welche in einer raumgreifenden Audioinstallation zusammenfanden. Die Idee und das Konzept erarbeiteten Marcel Hörler und Sabina Bösch, nach Einladung von About Us! und der Reformierten Kirche Zürich. Darüber hinaus waren folgenden Personen in das Projekt involviert: Julian Zehnder (Audio), Maria Muster (Textil), Maria Peskina (Grafik), neo seefried (Text), Gilles Smrkovsky (Lektorat). Teil des Programms war auch ein Publikumsgespräch, eine Soundperformance zwischen Kay Zhang, Nuriia Khasenova, Léo Collin (KIT) & Sacha Rüegg und eine Performance von Elischa Heller.

Seemingly Unfinished beleuchtete die Schönheit des schmalen Grats, der zwischen dem Unvollendeten und dem Fertigen liegt. Schon der römische Autor Plinius der Ältere dachte in seinem Buch 35 der Naturgeschichte über das Konzept des Unvollendeten nach. Er wies darauf hin, dass unvollendete Werke hoch geschätzt wurden, weil sie mehr Aufschluss über den kreativen Prozess und die Techniken der Künstler*innen gaben. Die Ausstellung präsentierte sieben Werke von Gemälden, Skulpturen, Installationen bis hin zu Stickereien von Fabio Guida, Laetitia Pascalin, Patrick Ostrowsky, Pascal Sidler, Sara Lavelle, Mickry 3 und Andrea Vera Wenger. Durch die Werke konnten die Intentionen der Künstler*innen und deren Rezeptionen auf das Publikum untersucht, sowie soziale, psychologische und philosophische Aspekte im Feld der zeitgenössischen Kunst diskutiert werden. Die Ausstellung ereignete sich in drei aufeinanderfolgende Gruppen (On Transparency, Under Construction und The Absence of Painting), um auf verschiedene Aspekte des Themas einzugehen. Seemingly Unfinished gab dem Publikum Werkzeuge an die Hand, um die Komplexität einer unvollendeten Ästhetik in fertigen Kunstwerken zu entschlüsseln. Die Ausstellung fand vom 12. März bis 2. April 2021 im Kulturfolger in Zürich statt und wurde von Marcel Hörler und Michael Almeida kuratiert.

Seit jeher gehören Verwandlungen zu den kulturellen Praktiken, die faszinieren und zugleich verstören. Ein Lebewesen, das plötzlich innehält, sich scheinbar selbst zerstört und als vollkommen neues Geschöpf aufersteht. Von den privilegierten Gottheiten der vorchristlich polytheistischen Religionen über phantastische Mischwesen – halb Mensch, halb Tier – aus Sagen, Märchen und Fantasy bis hin zu komplexen Verwandlungsbildern und -geschichten in der Literatur, die Beziehung zwischen Menschen und Tieren ist ein oft behandeltes Thema. Im Zuge der jüngsten technologischen und medizinischen Fortschritte, die es erlauben, Körper nach Belieben zu verändern, Organe zwischen Menschen und Tieren auszutauschen oder menschliche Zellen in Tieren zu züchten, erhalten Fragen über eine gemeinsame Zukunft von Menschen und Tieren eine neue Dringlichkeit. Für die Ausstellung VEE (23.05. – 03.10.2020) und vor dem konkreten Hintergrund des Landwirtschaftsbetriebs Hof Blum nahmen Badel/Sarbach, Benjamin Egger, Ernestyna Orlowska, Fridolin Schoch, Ina Weise und Patrick Ostrowsky installative, skulpturale und performative Eingriffe vor.  Performances, Screenings und Shows von Daniela Ehrsam, Ivy Monteiro, Maya Rochat und Soya The Cow begleiteten die Vernissage und die Finissage. Gemeinschaft, Körper und Transformation gehörten zu den thematischen Schwerpunkten der Ausstellung. Ausserdem wurde die Ausstellung durch Hofgespräche mit den Gästen Antoine F. Goetschel, Viviane Ehrensberger, Jacques Fuchs, Hans Preisig und Michael Kortenbusch sowie Mimikry-Workshops (Konzept: Julia Wäckerlin und Pia Schwarz) erweitert. VEE entstand in Zusammenarbeit zwischen Jakob Lienhard, Valérie Hug, Marcel Hörler und Martin Blum.

Nachhaltigkeit ist längst nicht mehr nur eine Frage ökologischer Umstände wie Klimawandel, geografischer Besonderheiten oder Agrartechnologien, sondern eine Frage von Produktion und Konsum. Das Plateaux Festival lud zwischen dem 20. April und 7. September 2019 Künstler*innen ein, um im Rahmen des Landwirtschaftsbetrieb Froh Ussicht unter dem Titel «Werte schaffen» Fragen und Lösungen der Nachhaltigkeit zu behandeln. Ausserdem wurden Gäste eingeladen, die mit einer Carte Blanche die Thematik des Festivals aufgriffen und Unerwartetes über kuratierte Performances, Filmabende, Installationen und Aktionen in das Festival einfliessen liessen. Das Festival wurde, nach Einladung durch Martin Blum, in Kollaboration zwischen Marcel Hörler und Mateo Chacon-Pino konzipiert. Gestaltung und Programmierung: Lydia Perrot und Lisa Li. Das Kunstvermittlungsangebot wurde von Seline Fülscher konzipiert. Mit künstlerischen Beiträgen von Artist Organizations International, Aurélie Strumans, Carina Erdmann & Anna Kindermann, Johanna Bruckner, Johanna Kotlaris, Martina Mächler, Matthew C. Wilson, Nino Baumgartner, San Keller, Simon Würsten Marin, Thomas Geiger und Yael Wicki. Zu den Gästen zählten Bergkrautsyndikat, Kunsthaus Aussersihl, Kunst Du, Wagner & Friends mit Carlos Fernández und Violeta Burckhard Razeto.

Die Dogo Residenz widmet sich der künstlerischen Entwicklung, Vermittlung und Produktion von zeitgenössischer Kunst. Die Residenz wurde 2019 eröffnet und befindet sich im Rathaus für Kultur in Lichtensteig, Schweiz. Der Kunstverein bietet Kulturschaffenden die Möglichkeit, sich professionell weiterzuentwickeln. Das Dogo Team begleitet die Kulturschaffenden und bietet eine Vielzahl an Serviceleistungen. Die künstlerischen Prozesse sowie die entstandenen Arbeiten sind im öffentlichen Online-Archiv dokumentiert. Ein weiterer Bestandteil von Dogo ist die Vermittlung, welche Workshops und Projekte mit Schulen sowie Ausstellungen und Veranstaltungen beinhaltet. Marcel ist Co-Gründer, gemeinsam mit Maura Kressig, Sirkka Ammann, Hanes Sturzenegger und Julia Wäckerlin sowie ehemaliger Co-Leiter der Dogo Residenz.

Während die Touristin mit der Gondelbahn zum Gipfel fährt und ein Flüchtling seine Heimat verlässt, arbeitet der digitale Nomade irgendwo auf seinem Boot. Noch nie hat sich die Mobilität auf so mannigfaltige Art und Weise manifestiert wie heute. Die räumliche, soziale und virtuelle Mobilität ist längst zum Grundprinzip einer globalen und vernetzten Welt geworden. Wer mobil ist, ist empfänglich – offen für Neues, vielleicht Besseres. Ebenso fordert die Mobilität von den Menschen eine geistige und körperliche Beweglichkeit. Sie bricht auf der einen Seite soziale Strukturen auf und verstärkt auf der anderen Seite die Wahrnehmung bestehender, ungleicher Voraussetzungen. Der weitgefasste Begriff Mobilität stand im Blickpunkt von Weiter. Im Rahmen von Weiter entwickelten Christian Eberhard, Collectif Chuglu, Damiano Curschellas, Gisa Frank, Lino Bally, Flurina Brügger, Iris Brodbeck, Marc Jenny, Matthias Rüegg und Robin Michel Werke en route. Dabei präsentieren sie vom 9. bis 23. September 2017 an drei unterschiedlichen Verkehrsknotenpunkten im unteren, im mittleren und im oberen Toggenburg ihre Werke. Die Ausstellung entstand als Koproduktion zwischen den Kunsthalle[n] Toggenburg und Arthur Junior.

Imagine Rhythm nutzte die Ausdruckskraft von Tanz und Film, um kulturelle und sprachliche Hindernisse zu überwinden. Eine Gruppe von Tänzer*innen aus Armenien, der Schweiz und Deutschland produzierte während zehn Tagen, zusammen mit den Choreograf*innen Melanie Alexander und Hayk Hobosyan, eine Tanzperformance und zeigte sie im August 2017 im öffentlichen Raum der Stadt Zürich. Durch einen selbstermächtigenden Ansatz konnten die Tänzer*innen ihre eigenen Bewegungsabläufe und Fähigkeiten einsetzen und in eine zeitgenössische Tanzperformance transfomieren. Die gesamte Aktivität wurde von Filmemacher*innen in Zusammenarbeit mit dem Dokumentarfilmer und Produzenten Seg Kirakossian vor Ort gedreht, um den Lernprozess zu dokumentieren. Das Projekt wurde auch entwickelt, um Wissen darüber zu vermitteln, wie soziale Initiativen umgesetzt werden können. Neben dem Tanzworkshop fand eine Gruppendiskussion statt, bei der die Probleme und Bedürfnisse gehörloser Menschen im Mittelpunkt standen, um das Bewusstsein für die Konvention über die Rechte von Menschen mit Behinderungen zu fördern. Das Projekt wurde von Marcel Hörler und Seg Kirakossian in Zusammenarbeit zwischen Subkult und Doctor Cinema NGO entwickelt.

Catherine Xu, Samuel Koch, Nina Emge, Lucie Biloshytskyy, James Stephen Wright, Domingo Chaves, Edmée Laurin, Fridolin Schoch und Martina Mächler erhielten am 9. Juli 2016 sechs orange Kuverts. Sechstausend Schweizer Franken, ausgehändigt in Tausendernoten – eine der wertvollsten Banknoten der Welt. Die Künstler*innen hatten die Aufgabe das ganze Geld an einer der zentralen Einkaufsstrassen von Wil auszugeben. Aus den eingekauften Waren entstanden die Werke, die vom 30. Juli bis 13. August 2016 der Öffentlichkeit präsentiert wurden. Shopping behandelte ein Thema, das die Gesellschaft und die Kunstwelt seit je her bewegt. Wir wollen es, wir lieben es und wir tun es. Und das von jung bis alt. Ob bewusst, ökologisch oder verschwenderisch. Wir kaufen ein, wir wählen aus und Einkaufen soll Spass machen, oder etwa nicht?! Darum behandelte die Cross-Media-Kunstaktion das Konsumieren als Akt des Lebens und stellte Fragen. Fragen über die Ware Kunst, Fragen zur künstlerischen Arbeit, Fragen über Investment. Die künstlerischen Prozesse wurden dokumentiert und waren Teil der Ausstellung, die auf Einladung der Stadt Wil von Arthur Junior realisiert wurden. Als Kooperationspartner beteiligte sich das Grafikstudio Badesaison.