Marcel Hörler

Wie fühlte sich damals die Zeit an? Dauerte früher eine Sekunde länger als heute? Wem lauschen wir, um zu verstehen, was geschah? Und wie können wir uns in eine Zeit hineinversetzen, wenn die Zeitzeug*innen bereits verstummt sind? Frida Edelmann-Knöpfel, die von 1864-1921 in Lichtensteig lebte, war eine neugierige und aufmerksame Beobachterin ihrer Zeit. Dem Entrinnen der Zeit entgegenwirkend, schrieb Frida ihre Alltagserfahrungen in Mundart nieder und gab dadurch der Nachwelt die Möglichkeit, in ihre Gedankenwelt vorzudringen. Sie schrieb über die Mühen ihrer Mutter, die Beziehung zu ihrem Ehemann, ihre Kinder, über das Leben im Städtchen und gehörte damit zu den wenigen Frauen ihrer Zeit, deren Schriften überliefert wurden. Als Hommage an Frida, haben die Künstler*innen Karin Karinna Bühler, Martina Morger, Reto Müller, Lika Nüssli und Thomas Stüssi, neue Werke geschaffen, die von Fridas Erinnerungen inspiriert sind. Die Ausstellung wurde am 7. Juli 2023 eröffnet. Die Werke werden bis zu fünf Jahre im «öffentlichen Raum» der Gemeinde Lichtensteig gezeigt. Frida wurde von Marcel Hörler mit der Unterstützung von Maura Kressig und Jost Kirchgraber kuratiert.

«I’m the boss of my business, I should invoice» ist ein Auszug aus dem Songtext von Ashnikkos Song Working Bitch. Darin behandelt sie ihre sexuelle und finanzielle Unabhängigkeit. Der Ausstellungstitel verweist sowohl auf die prekären Arbeitsverhältnisse als auch auf den Drang nach Ruhm und Erfolg, als treibender Faktor für Unabhängigkeit innerhalb der Kunstwelt. Wie ein Kaugummi kleben diese zwei ineinandergreifenden Sphären an den Böden der Ausstellungsräume. Fragen wie was können Kulturschaffende leisten? Ist die künstlerische Arbeit noch lustvolle Tätigkeit oder bereits ein schmerzvolles Aushalten? Oder wie kann die künstlerische Unabhängigkeit im Kontext von ökonomischen Interessen noch gewahrt bleiben? werden selten ausführlich beantwortet und so bleibt am Ende dann doch meistens der Einzahlungsschein als letzte Sicherheit des Überlebens. Für diese kleine Sommerausstellung luden Marcel Hörler, Mindaugas Matulis, Inés Maestre und STEVIL die Künstler*innen Marco Siciliano, Mia Thermopolis, Steen Sperling, Aksel Bruk, Irem Güngez und Julia ein, um ihre Arbeiten vom 23. Juni bis 2. Juli 2023 im Baby Angel in Zürich zu zeigen.

Wie können wir Lust materialisieren? Inwiefern können wir unsere Wünsche und Bedürfnisse innerhalb von Machtstrukturen erkennen und zum Ausdruck bringen? Wie können wir eine Praxis der Fürsorge kultivieren, während die Gesellschaft unter hetero-patriarchalen Mechanismen leidet? Die Ausstellung Powerplay, Pleasure and Gain präsentierte einen Mix aus Beiträgen von Giulia Essyad, Inés Maestre, Lucio Davoli, Marisabel Arias, Metehan Törer, Robin Mettler, Sarah Burger und Sicc Puppy. Die Ausstellung nahm das zehnjährige Jubiläum der Porny Days zum Anlass, um über das Potential der Kollektivität nachzudenken, das in unseren Körpern steckt. Neben den ausgestellten Werken wurde das Publikum dazu eingeladen, während der performativen Eröffnung selbst Teil der Ausstellung zu werden. Powerplay, Pleasure and Gain fand vom 25. bis 27. November 2022 in der Südbühne der Gessnerallee in Zürich statt und wurde von Marcel Hörler mit der Unterstützung von Lena Aurea Schneider kuratiert.

Urbanität und Widersprüche prallen auf dem Geroldareal im Kreis 5 in der Stadt Zürich aufeinander. Zum einen das Rohe, Poröse, Unfertige und Provisorische, das an jenen von Gentrifizierung betroffenen Orten klebt. Zum anderen das Glatte, Flache, Saubere und Abgeschlossene, das sich zuhauf in den Fenstern der Finanzgebäude, in denen Kapitalien im Sekundentakt übermittelt werden, spiegelt. Das ehemalige Industriequartier im Kreis 5 ist im Wandel und so ist es auch der Keller an der Geroldstrasse 31. Im 1882 erbauten Gebäude – in der Stadtkarte um 1900 als Petrolmagazin vermerkt – hat sich im Sommer 2022 ein Kollektiv gebildet und den Verein Baby Angel gegründet. Es unterhält den gleichnamigen Ort, der für Kunst und Kultur in der Stadt Zürich, für Gemeinschaft, Sinnlichkeit und Hybridität steht. In den charakteristischen Räumen werden verschiedene Produktionen in den Bereichen Musik, Sound, Kulinarik, Literatur, visuelle Kunst, Körper und Wellness sowie Performance umgesetzt. Der Schwerpunkt liegt dabei auf künstlerischen Experimenten. Seit Herbst 2022 ist Marcel Hörler Teil des Kollektivs, gemeinsam mit Melinda Bieri, David Jegerlehner, Ivana Milenković, Regula Perschak, Valentin Hehl, Valentin Müri und Robert Meyer.

Vergnügen - das Teilen von Freude - berührt und verbindet Menschen. Obwohl bestimmte Praktiken, insbesondere solche, die nicht-normativen, queeren, nicht-monogamen und nicht-binären Lebensweisen entsprechen, von den Institutionen der Macht schon immer marginalisiert, kriminalisiert oder zumindest ignoriert wurden. Dennoch haben die Figuren der Nacht die Grenzen des gesellschaftlichen Anstands überschritten. Was bleibt, sind Fragen: Wo und wie sprechen wir über Vergnügen? Welche Räume werden beansprucht und von wem? Sind sichere Räume nur Träume einer verborgenen Utopie? Inwieweit bestimmen Institutionen, was sexuell erlaubt/nicht erlaubt ist? Und was hat das alles mit Care-Arbeit zu tun? Auf der Suche nach Antworten präsentierte Ufficio della Notte Arbeiten von Berlin Strippers Collective, Gilles Smrkovsky, Philipp Gufler, Benjamin Egger, Oz Oderbolz, Latefa Wiersch, Florian Hetz, Dario Callerame, Jeanne Jacob, Alina Kopytsa, SLOCH, Göksu Kunak und DIVAS, die in sechs verschiedenen Kunsträumen und Clubs sowie im öffentlichen Raum (Last Tango, Parat, Limmatplatz, Unterführung Langstrasse, Die Diele, Baby Angel, BosqueRreal, Rote Fabrik) gezeigt wurden. Die von neo seefried und Marcel Hörler kuratierte Ausstellung fand vom 23. September bis 15. Oktober 2022 in Zürich statt und wurde mit Spaziergängen, einer Pleasure positive Party und einem Podiumsgespräch zum Thema Sexwork kombiniert.

Wir können nie wissen, was wir vorfinden werden – wenn wir ein Loch graben... Die Erde ist ein Filter, ein Archiv, bietet Lebensgrundlagen und ist ein Schauplatz für speziesübergreifenden Austausch. Interdependenzen, also gegenseitige Abhängigkeiten, sind der Erde immanent. So widmete sich Performing Soil jenen Spannungsmomenten zwischen Menschen und Erde, die sich abseits von gängigen Wissenschaftsmethoden ergeben. Denn diese gehen davon aus, dass Projekte skaliert werden können, sprich im Kleinen genauso wie im Grossen funktionieren können aber ausser Acht lassen, dass sich die Akteur*innen durch Begegnungen verändern können. Die Idee zu Performing Soil stammt von den Künstler*innen Silke kleine Kalvelage, Jan Georg Glöckner und dem Kurator/Kulturvermittler Marcel Hörler. Über einen Zeitraum von drei Monaten, umgeben von einem Naturschutzgebiet, haben sie in Zusammenarbeit mit den Tänzer*innen, Künstler*innen, Handwerker*innen und Wissenschaftler*innen Lisa Lee Benjamin, Marisa Mayer, Xaver Ammann, Kay Zhang, Brigham Baker, New Kyd, Reut Nahum und Rosa Violetta Zettl eine massive Erdkugel geformt. Die Erdkugel wurde im Rahmen der gleichnamigen Ausstellung im Kunstraum Parat versteigert und zusammen mit drei Radiosendungen, der Fotodokumentation und weiteren kleinformatigen Erdexponaten vom 9. bis 18. Dezember 2021 der Öffentlichkeit präsentiert.

Die Ausstellung Passagen widmete sich vom 10. September bis 2. Oktober 2021 in der Kirche St. Jakob in Zürich den Übergängen als beständige Begleiterinnen der Menschen. Im Zentrum der Ausstellung stand die Frage, wie Übergänge bewältigt werden. Dafür wurden die Mittel der Fotografie, des Geschichtenerzählens und des Anordnens persönlicher Dinge genutzt. Der Sakralbau diente der Ausstellung als Ausstellungs- und Reflexionsraum, als Klangkörper und als Ort der kritischen Befragung. Die Grundlage für Passagen bildeten mehrere Treffen der acht Protagonist*innen Beat Schwab, Chaowei Arakawa, Emanuel Hohl, Edwin Arsenio Ramirez Garcia, Heidi Stamm, Maria Hardt, Noah Di Bettschen und Yeter Tayet, sowie individuelle Tonaufzeichnungen welche in einer raumgreifenden Audioinstallation zusammenfanden. Die Idee und das Konzept erarbeiteten Marcel Hörler und Sabina Bösch, nach Einladung von About Us! und der Reformierten Kirche Zürich. Darüber hinaus waren folgenden Personen in das Projekt involviert: Julian Zehnder (Audio), Maria Muster (Textil), Maria Peskina (Grafik), neo seefried (Text), Gilles Smrkovsky (Lektorat). Teil des Programms war auch ein Publikumsgespräch, eine Soundperformance zwischen Kay Zhang, Nuriia Khasenova, Léo Collin (KIT) & Sacha Rüegg und eine Performance von Elischa Heller.

Seemingly Unfinished beleuchtete die Schönheit des schmalen Grats, der zwischen dem Unvollendeten und dem Fertigen liegt. Schon der römische Autor Plinius der Ältere dachte in seinem Buch 35 der Naturgeschichte über das Konzept des Unvollendeten nach. Er wies darauf hin, dass unvollendete Werke hoch geschätzt wurden, weil sie mehr Aufschluss über den kreativen Prozess und die Techniken der Künstler*innen gaben. Die Ausstellung präsentierte sieben Werke von Gemälden, Skulpturen, Installationen bis hin zu Stickereien von Fabio Guida, Laetitia Pascalin, Patrick Ostrowsky, Pascal Sidler, Sara Lavelle, Mickry 3 und Andrea Vera Wenger. Durch die Werke konnten die Intentionen der Künstler*innen und deren Rezeptionen auf das Publikum untersucht, sowie soziale, psychologische und philosophische Aspekte im Feld der zeitgenössischen Kunst diskutiert werden. Die Ausstellung ereignete sich in drei aufeinandefolgende Gruppen (On Transparency, Under Construction und The Absence of Painting), um auf verschiedene Aspekte des Themas einzugehen. Seemingly Unfinished gab dem Publikum Werkzeuge an die Hand, um die Komplexität einer unvollendeten Ästhetik in fertigen Kunstwerken zu entschlüsseln. Die Ausstellung fand vom 12. März bis 2. April 2021 im Kulturfolger in Zürich statt und wurde von Marcel Hörler und Michael Almeida kuratiert.

Das Blickfelder Festival zeigt internationale Theater-und Tanzproduktionen für ein junges Publikum und realisiert lokale Projekte zwischen Schulen und Kulturschaffenden. Durch ein vielfältiges Kulturprogramm und Mitmachangebote bespielt Blickfelder alle zwei Jahre einen öffentlichen Platz in der Stadt Zürich. Zu den wiederkehrenden Spielstätten gehört das Schauspielhaus Zürich, das Tanzhaus Zürich, das Theater Stadelhofen und das GZ Buchegg. Von 1992 bis 2020 verantwortete die Fachstelle Schule+Kultur Zürich die Festivalorganisation. Seither plant und realisiert der Verein Festival für ein junges Publikum Zürich das Blickfelder Festival. Seit 2021 ist Marcel Hörler, zusammen mit Andrea Kohler und Tanja Stauffer, in der Festivalleitung.

HOX - Plattform für kritische Betrachtungen ist ein interdisziplinäres und dreiteiliges Publikationsprojekt mit jährlich wechselnden thematischen Schwerpunkten. Ziel der Plattform ist es, kritische Reflexionen in der Kunst sichtbar zu machen und Künstler*innen zu fördern. Es gliedert sich in drei Teile: Veranstaltung, Magazin und Website (geplant für Herbst 2023). Alle drei Teile erfüllen unterschiedliche Aspekte des Publizierens und Vermittelns: Eine jährliche Veranstaltung mit Lesungen, Performances und künstlerischen Positionen macht die kritischen Reflexionen und unterschiedlichen Positionen verschiedener Künstler*innen für ein Live-Publikum erlebbar und bietet Besuchenden die Möglichkeit zur Partizipation. Ein jährlich erscheinendes Magazin überträgt die künstlerischen Positionen, kritischen Reflexionen und Interaktionen zwischen den Künstler*innen und dem Publikum der Veranstaltung in den Druck und denkt sie weiter, indem es durch zusätzliche Text- und Bildbeiträge, die durch eine Ausschreibung generiert werden, künstlerische, ästhetische, analytische und wissenschaftliche Ausdrucksformen zusammenführt. Eine Website als dritte, von Raum und Zeit unabhängige Vermittlungsplattform führt die Inhalte der Veranstaltung und des Magazins zusammen, ergänzt sie durch Audio- und audiovisuelle Beiträge und macht sie so einem breiteren Publikum zugänglich. Initiiert wurde das Projekt von Jakob Lienhard, Valérie Hug und Marcel Hörler.

Seit jeher gehören Verwandlungen zu den kulturellen Praktiken, die faszinieren und zugleich verstören. Ein Lebewesen, das plötzlich innehält, sich scheinbar selbst zerstört und als vollkommen neues Geschöpf aufersteht. Von den privilegierten Gottheiten der vorchristlich polytheistischen Religionen über phantastische Mischwesen – halb Mensch, halb Tier – aus Sagen, Märchen und Fantasy bis hin zu komplexen Verwandlungsbildern und -geschichten in der Literatur, die Beziehung zwischen Menschen und Tieren ist ein oft behandeltes Thema. Im Zuge der jüngsten technologischen und medizinischen Fortschritte, die es erlauben, Körper nach Belieben zu verändern, Organe zwischen Menschen und Tieren auszutauschen oder menschliche Zellen in Tieren zu züchten, erhalten Fragen über eine gemeinsame Zukunft von Menschen und Tieren eine neue Dringlichkeit. Für die Ausstellung VEE (23.05. – 03.10.2020) und vor dem konkreten Hintergrund des Landwirtschaftsbetriebs Hof Blum nahmen Badel/Sarbach, Benjamin Egger, Ernestyna Orlowska, Fridolin Schoch, Ina Weise und Patrick Ostrowsky installative, skulpturale und performative Eingriffe vor.  Performances, Screenings und Shows von Daniela Ehrsam, Ivy Monteiro, Maya Rochat und Soya The Cow begleiteten die Vernissage und die Finissage. Gemeinschaft, Körper und Transformation gehörten zu den thematischen Schwerpunkten der Ausstellung. Ausserdem wurde die Ausstellung durch Hofgespräche mit den Gästen Antoine F. Goetschel, Viviane Ehrensberger, Jacques Fuchs, Hans Preisig und Michael Kortenbusch sowie Mimikry-Workshops (Konzept: Julia Wäckerlin und Pia Schwarz) erweitert. VEE entstand in Zusammenarbeit zwischen Jakob Lienhard, Valérie Hug, Marcel Hörler und Martin Blum.

Nachhaltigkeit ist längst nicht mehr nur eine Frage ökologischer Umstände wie Klimawandel, geografischer Besonderheiten oder Agrartechnologien, sondern eine Frage von Produktion und Konsum. Das Plateaux Festival lud zwischen dem 20. April und 7. September 2019 Künstler*innen ein, um im Rahmen des Landwirtschaftsbetrieb Froh Ussicht unter dem Titel «Werte schaffen» Fragen und Lösungen der Nachhaltigkeit zu behandeln. Ausserdem wurden Gäste eingeladen, die mit einer Carte Blanche die Thematik des Festivals aufgriffen und Unerwartetes über kuratierte Performances, Filmabende, Installationen und Aktionen in das Festival einfliessen liessen. Das Festival wurde, nach Einladung durch Martin Blum, in Kollaboration zwischen Marcel Hörler und Mateo Chacon-Pino konzipiert. Gestaltung und Programmierung: Lydia Perrot und Lisa Li. Das Kunstvermittlungsangebot wurde von Seline Fülscher konzipiert. Mit künstlerischen Beiträgen von Artist Organizations International, Aurélie Strumans, Carina Erdmann & Anna Kindermann, Johanna Bruckner, Johanna Kotlaris, Martina Mächler, Matthew C. Wilson, Nino Baumgartner, San Keller, Simon Würsten Marin, Thomas Geiger und Yael Wicki. Zu den Gästen zählten Bergkrautsyndikat, Kunsthaus Aussersihl, Kunst Du, Wagner & Friends mit Carlos Fernández und Violeta Burckhard Razeto.

Die Dogo Residenz widmet sich der künstlerischen Entwicklung, Vermittlung und Produktion von zeitgenössischer Kunst. Die Residenz wurde 2019 eröffnet und befindet sich im Rathaus für Kultur in Lichtensteig, St. Gallen. Dogo, organisiert als Kunstverein, bietet Künstler*innen die Möglichkeit, sich während ihren Aufenthalten professionell weiterzuentwickeln. Die künstlerischen Prozesse sowie die entstandenen Arbeiten sind im öffentlichen Online-Archiv dokumentiert. Unter dem Jahr organisiert Dogo gemeinsam mit den Kunstschaffenden Vermittlungsformate wie öffentliche Veranstaltungen, offene Ateliers oder Gesprächsrunden. Ein weiterer Bestandteil von Dogo ist die Vermittlung, welche Workshops und Projekte mit Schulen beinhaltet. Das Jahr wird jeweils abgerundet mit der Dogo Totale, der Jahresausstellung im November. Dogo wurde von Hanes Sturzenegger, Julia Wäckerlin, Marcel Hörler, Maura Kressig und Sirkka Ammann initiiert.

«Der neue Mensch fingert, statt zu handeln», so beschreibt der Philosoph Byung-Chul Han in seinem Essay Im Schwarm: Ansichten des Digitlaen prägnant ein Alltagsphänomen der digital vernetzten Gesellschaft. Alles scheint greifbar, per Fingerklick. Auch digitale Sammlungsbestände sollen den Zugang erleichtern. Die Arbeit JUICY, TEXTURE EXCELLENT überträgt das Phänomen auf die kuratorische Praxis. Der Finger des Kurators wählt aus und stellt, in dem er über die Bildoberfläche fährt, eine direkte Verbindung zum Werk her. Für das Museum ist das ein Regelverstoss und für den Kurator ein Dilemma, wünscht er sich doch nichts sehnlicher als den Kontakt zum Werk. Ausschlaggebend für die Idee sind die Fruit Art Videos von Stephanie Sarley. In ihren kurzen Videos auf Instagram befingert sie saftige Früchte. Ihr Instagram Konto wurde aufgrund dessen schon mehrere Male von Facebook blockiert. JUICY, TEXTURE EXCELLENT entstand in Kollaboration mit Lydia Perrot im Rahmen des Moduls Combining Collections. Eine virtuelle Sammlungsausstellung, das von Bruno Bruno Heller geleitet wurde, im Master Art Education Curatorial Studies der ZHdK.

Während die Touristin mit der Gondelbahn zum Gipfel fährt und ein Flüchtling seine Heimat verlässt, arbeitet der digitale Nomade irgendwo auf seinem Boot. Noch nie hat sich die Mobilität auf so mannigfaltige Art und Weise manifestiert wie heute. Die räumliche, soziale und virtuelle Mobilität ist längst zum Grundprinzip einer globalen und vernetzten Welt geworden. Wer mobil ist, ist empfänglich – offen für Neues, vielleicht Besseres. Ebenso fordert die Mobilität von den Menschen eine geistige und körperliche Beweglichkeit. Sie bricht auf der einen Seite soziale Strukturen auf und verstärkt auf der anderen Seite die Wahrnehmung bestehender, ungleicher Voraussetzungen. Der weitgefasste Begriff Mobilität stand im Blickpunkt von Weiter. Im Rahmen von Weiter entwickelten Christian Eberhard, Collectif Chuglu, Damiano Curschellas, Gisa Frank, Lino Bally, Flurina Brügger, Iris Brodbeck, Marc Jenny, Matthias Rüegg und Robin Michel Werke en route. Dabei präsentieren sie vom 9. bis 23. September 2017 an drei unterschiedlichen Verkehrsknotenpunkten im unteren, im mittleren und im oberen Toggenburg ihre Werke. Die Ausstellung entstand als Koproduktion zwischen den Kunsthalle[n] Toggenburg und Arthur Junior.

Imagine Rhythm nutzte die Ausdruckskraft von Tanz und Film, um kulturelle und sprachliche Hindernisse zu überwinden. Eine Gruppe von Tänzer*innen aus Armenien, der Schweiz und Deutschland produzierte während zehn Tagen, zusammen mit den Choreograf*innen Melanie Alexander und Hayk Hobosyan, eine Tanzperformance und zeigte sie im August 2017 im öffentlichen Raum der Stadt Zürich. Durch einen selbstermächtigenden Ansatz konnten die Tänzer*innen ihre eigenen Bewegungsabläufe und Fähigkeiten einsetzen und in eine zeitgenössische Tanzperformance transfomieren. Die gesamte Aktivität wurde von Filmemacher*innen in Zusammenarbeit mit dem Dokumentarfilmer und Produzenten Seg Kirakossian vor Ort gedreht, um den Lernprozess zu dokumentieren. Das Projekt wurde auch entwickelt, um Wissen darüber zu vermitteln, wie soziale Initiativen umgesetzt werden können. Neben dem Tanzworkshop fand eine Gruppendiskussion statt, bei der die Probleme und Bedürfnisse gehörloser Menschen im Mittelpunkt standen, um das Bewusstsein für die Konvention über die Rechte von Menschen mit Behinderungen zu fördern. Das Projekt wurde von Marcel Hörler und Seg Kirakossian in Zusammenarbeit zwischen Subkult und Doctor Cinema NGO entwickelt.

Catherine Xu, Samuel Koch, Nina Emge, Lucie Biloshytskyy, James Stephen Wright, Domingo Chaves, Edmée Laurin, Fridolin Schoch und Martina Mächler erhielten am 9. Juli 2016 sechs orange Kuverts. Sechstausend Schweizer Franken, ausgehändigt in Tausendernoten – die wertvollste Banknote der Welt. Die Künstler*innen hatten die Aufgabe das ganze Geld an der Oberen Bahnhofstrasse, der Einkaufsmeile von Wil auszugeben. Aus den eingekauften Waren entstanden die Werke, die vom 30. Juli bis 13. August 2016 der Öffentlichkeit präsentiert wurden. Shopping behandelte ein Thema, das die Gesellschaft und die Kunstwelt seit je her bewegt. Wir wollen es, wir lieben es und wir tun es. Und das von jung bis alt. Ob bewusst, ökologisch oder verschwenderisch. Wir kaufen ein, wir wählen aus und Einkaufen soll Spass machen, oder etwa nicht?! Darum behandelte die Cross-Media-Kunstaktion das Konsumieren als Akt des Lebens und stellte Fragen. Fragen über die Ware Kunst, Fragen zur künstlerischen Arbeit, Fragen über Investment. Die künstlerischen Prozesse wurden dokumentiert und waren Teil der Ausstellung, die auf Einladung der Stadt Wil von Arthur Junior realisiert wurden. Als Kooperationspartner beteiligte sich das Grafikstudio Badesaison.